Se você vive adiando aquela série que todo mundo recomenda, a hora de resolver isso chegou. “A Sete Palmos” ainda está na Netflix, mas tem saída programada do catálogo — perfeito para maratonar enquanto dá tempo. É curta o suficiente para manter o ritmo e rica o bastante para fisgar logo no episódio de estreia.

Lançada entre 2001 e 2005, a produção soma 5 temporadas e ganhou fama de “quase unanimidade” por um motivo simples: combina humor ácido, drama afiado e personagens que parecem ter vida fora da tela.

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O público que apertou o play costuma voltar para rever — sinal de que há camadas que só aparecem quando a gente olha de novo.

A série acompanha os Fisher, família que administra uma casa funerária em Los Angeles. Ali, o tema da morte não chega como evento excepcional; entra pela porta da frente todos os dias, moldando o jeito como eles trabalham, discutem, se afetam e tocam a vida. Cada caso atendido funciona como espelho para questões íntimas que a família tenta varrer para baixo do tapete.

No centro dessa engrenagem está Nate, o filho que passou um tempo longe e resolve não voltar para as festas de fim de ano. Essa ausência, aparentemente simples, desequilibra relações, expõe rancores, abre espaço para conversas difíceis e reposiciona cada personagem dentro da empresa e da própria casa. É o tipo de conflito doméstico que evita exageros: dói porque soa plausível.

O roteiro aproveita o cotidiano do negócio para provocar: rituais, crenças, dinheiro, ética e afeto entram no mesmo quadro. Há episódios em que a ironia domina; em outros, o silêncio pesa mais que qualquer fala.

O resultado é um mosaico de situações em que o trabalho de consolar desconhecidos contrasta com a dificuldade de os Fisher se acolherem entre si.

O elenco sustenta essa proposta com atuações consistentes. Peter Krause dá corpo a um Nate dividido entre impulso e responsabilidade. Lauren Ambrose entrega uma Claire vibrante e inquieta.

Michael C. Hall constrói um David contido e profundo. Frances Conroy imprime elegância e dureza na medida exata, enquanto Matthew St. Patrick e Rachel Griffiths expandem a história para além da família, trazendo fricções úteis ao desenvolvimento dos protagonistas.

Outro trunfo é a estrutura dos episódios: aberturas marcantes, casos que orbitam a trama principal e desfechos que fazem sentido sem depender de truques fáceis.

A direção prefere observação e precisão a discursos inflamados — uma escolha que envelhece bem e explica o altíssimo índice de aprovação ao longo dos anos.

Se você busca uma série que faz rir, cutuca e permanece na cabeça depois do play, passe adiante a desculpa da falta de tempo. “A Sete Palmos” está na Netflix por mais pouco — e vale ocupar o topo da sua fila agora.

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Fim de expediente e cabeça pedindo algo descomplicado? “Meu Eu do Futuro” cumpre exatamente esse papel: uma comédia de 2024, curtinha, direta ao ponto e disponível na Prime Video — perfeita para encaixar entre o jantar e o travesseiro.

Logo de cara, vale o serviço: são 89 minutos que passam rápido, com roteiro enxuto e ritmo ágil. A direção é assinada por Megan Park, que aqui aposta em humor com toques de fantasia para falar de escolhas, limites e consequências — tudo sem arrastar cenas ou apostar em drama pesado.

A história acompanha Elliott, 18 anos, espírito livre e zero paciência para regras. Durante seu aniversário, em meio a uma experiência com cogumelos, ela se vê frente a frente com… ela mesma, aos 39. A versão madura, pragmática e um tanto desencantada surge com uma recomendação única e taxativa: “não se apaixone”.

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De início, Elliott trata o recado como delírio passageiro e segue a vida. Minutos depois, o imprevisto bate à porta: ela cruza justamente com o garoto que a “futura Elliott” citou. A química aparece no primeiro diálogo e, junto com ela, a dúvida que pauta o restante do filme.

A partir desse ponto, o roteiro brinca com causa e efeito. Cada flerte vira um cálculo, cada convite carrega peso. Em vez de grandes discursos, a produção prefere situações que expõem as escolhas de Elliott: dizer “sim” ao impulso e arcar com o que vier, ou frear a vontade e tentar proteger um amanhã que ainda não chegou.

No elenco, a protagonista ganha duas intérpretes afinadas. Maisy Stella assume a Elliott de 18 com leveza e timing cômico; Aubrey Plaza encarna a versão de 39 com olhar clínico e humor seco, criando um contraste que dá liga às melhores cenas. O time se completa com Percy Hynes White, Maddie Ziegler, Maria Dizzia e Kerrice Brooks, que funcionam bem como gatilhos para as decisões da personagem.

Outro ponto que ajuda é a economia de excessos. As piadas entram na hora certa, as reviravoltas não forçam a barra e a fantasia aparece como ferramenta narrativa — não como muleta. O resultado é aquele filme “bom de terça-feira”: leve, simpático e com um toque de reflexão na medida.

Para assistir, é só abrir a Prime Video e dar o play em “Meu Eu do Futuro”. Se a sua meta hoje é rir um pouco e desligar do caos, essa escolha entrega exatamente o que promete.

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Tem novidade para quem vive caçando dorama bom no catálogo vermelho. “Herói ou Quase Isso” estreou no dia 22 e já entrou no radar de quem curte tramas japonesas com pitadas de humor, ação e um toque de estranheza — do jeitinho que prende no primeiro play.

A premissa começa com Bunta, um cara comum que vê a vida desmontar peça por peça: emprego perdido, contas atrasadas, casa fora de alcance e vínculos familiares esfarelando. Sem destino, ele passa a noite num café 24 horas, ruminando a sensação de ter chegado ao limite — aquele ponto em que a rotina deixa de fazer sentido.

É nesse cenário que surge a tal guinada. Um recrutador enigmático aparece com uma proposta que soa absurda e irresistível em igual medida: um trabalho secreto, bem estruturado, com objetivo gigante. Nada de vaga comum — a missão envolve, literalmente, salvar o mundo.

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O pacote vem completo. Bunta ganha um lugar para morar, uma nova identidade e habilidades psíquicas que jamais cogitou possuir. Só que a oferta traz cláusulas esquisitas: para manter a fachada, ele precisa “viver” um casamento com uma desconhecida instalada na mesma casa. E há regra que não admite exceção — sentimentos românticos estão fora do contrato.

Esse jogo de aparências move o coração da série. Entre treinamentos, pequenas operações e a tensão de manter o disfarce, o roteiro testa Bunta em escolhas éticas, limites pessoais e um tipo de coragem que não depende só de poder especial.

O contraste entre o cotidiano e o trabalho secreto rende momentos bem cômicos, mas também coloca o protagonista diante de perdas reais e consequências que cobram a conta.

Com temporada única e 10 episódios, a narrativa é direta e eficiente, alternando investigações, cenas de ação e diálogos que desenvolvem a parceria forçada do casal. A química entre os dois sustenta boa parte do interesse: há cumplicidade, atritos e aqueles silêncios que dizem mais que discursos.

No papel de Bunta, Yo Oizumi entrega um protagonista falho, rápido no improviso e fácil de se conectar — experiência não lhe falta, com passagens por produções como “Tokyo Ghoul”, “Fullmetal Alchemist”, “I Am a Hero” e a animação “As Memórias de Marnie”.

Do outro lado, Aoi Miyazaki dá vida a Shiki com precisão e carisma, famosa por trabalhos como “Ikari” e “Eureka”. Aqui, ela encontra um registro que valoriza nuances e segura cenas chave sem esforço aparente.

O elenco de apoio apoia a trama com tipos bem definidos — colegas de operação, superiores desconfiados, figuras do submundo — que funcionam tanto como obstáculo quanto como combustível para o crescimento do protagonista. Nada de personagens enfeite: cada um empurra a história um passo à frente.

Se faltava uma aposta nova para maratonar, a dica está dada: “Herói ou Quase Isso” entrega ritmo, humor na medida e um conceito divertido de “vida dupla” que se sustenta até o último capítulo.

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Se a sua vida passa por e-mails, logins e videochamadas, “Desaparecida” cutuca um ponto frágil: quanto da nossa rotina digital pode ser usado a favor — ou contra — a gente.

O filme segue June (Storm Reid) tentando achar a mãe, Grace (Nia Long), que some durante uma viagem. O detalhe que move tudo: a investigação acontece com o que cabe numa tela. Senhas, histórico, câmeras públicas, backups.

Cada clique empurra a história alguns passos à frente… ou abre uma cilada. É o tipo de thriller que transforma cursor em pista e notificação em alarme.

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O roteiro começa com um gesto simples: conferir se a mãe chegou bem à Colômbia com o novo namorado, Kevin (Ken Leung).

O atraso no retorno troca cortesia por protocolo. Entram polícia, embaixada, prazos e formulários — e a percepção de que respostas oficiais demoram. Diante desse relógio burocrático, June decide agir por conta própria.

O que, inicialmente, seria acompanhar um voo vira montar uma linha do tempo com hora, endereço e pessoas lastreadas por dados verificáveis.

Daí vêm as táticas. June recupera senhas, varre e-mails, cruza agendas, rastreia aparelhos, consulta imagens de rua, lê metadados de fotos e checa nomes em cadastros públicos. A cada cruzamento bem-sucedido, o objetivo muda: deixar de “achar” para provar — e provar para quem.

Quando os dados ligados a Kevin começam a apresentar inconsistências (pagamentos estranhos, alias, lacunas no passado), surge a dúvida de ouro: e se parte das “pistas” foi plantada? A reação de June é dobrar a verificação por uma segunda fonte.

Para reduzir a distância, ela contrata Javi (Joaquim de Almeida), um faz-tudo na Colômbia que vira olhos e mãos no terreno: confere recibos, conversa com funcionários, revisita lugares.

A presença dele muda o ritmo da busca. Um detalhe em câmera de segurança derruba um comprovante anterior; um CPF abre uma rota que ninguém tinha visto; um nome antigo reescreve uma lembrança. A narrativa mantém a causalidade firme: entrou dado novo, muda risco, objetivo ou prazo.

Quando parece que o mapa está claro, a história faz o primeiro giro. Uma peça do passado familiar — Heather (Amy Landecker) — devolve perguntas no lugar de respostas.

June percebe que não procura só o paradeiro da mãe; precisa entender por que aquela viagem existiu e o que ficou fora das conversas em casa. O filme amarra essa virada às ações da protagonista: nada cai do céu, tudo nasce do trabalho de mineração digital que ela mesmo iniciou.

A escalada chega quando a investigação deixa rastros. Ao acessar várias contas e cutucar conversas arquivadas, June chama atenção de quem preferia silêncio. A partir daí, o “clique seguro” dá lugar a risco físico.

Uma isca bem armada estreita a margem de erro e empurra a personagem para fora do quarto. Menos abas, mais consequência imediata: uma decisão errada não trava o app, compromete gente.

O desenho formal não é enfeite; é linguagem. Direção e montagem (Will Merrick e Nicholas D. Johnson) usam o formato de telas para transformar informação em ação. O cursor que hesita antes de enviar uma mensagem indica receio verdadeiro.

Time-lapse de abas abertas comunica noite virada pesquisando. Troca de fonte de vídeo muda ponto de vista e reposiciona o público na investigação. Quando notificações empilham, o filme acelera porque o prazo encurtou — sem truques artificiais.

Os coadjuvantes têm função concreta no encadeamento. Kevin é a variável de confiança: se mente, tudo ligado a ele exige tripla checagem. Javi equilibra a história com evidência física num caso tocado a distância.

Veena (Megan Suri) sustenta June técnica e emocionalmente quando a fadiga bate. O agente Park (Daniel Henney) delimita risco legal e o alcance do que uma pessoa comum consegue fazer sem sair do limite. Cada um entra em cena para mexer na equação, nunca para preencher espaço.

Há também um pano de fundo que enriquece a experiência: “Desaparecida” herda e atualiza o formato “screenlife” popularizado em “Buscando…” (“Searching”), trocando o pai desesperado pela filha autodidata no uso de ferramentas digitais.

O filme sabe que tecnologia não resolve tudo — mas revela. À medida que June costura dados, as certezas mudam de lugar e o espectador passa a desconfiar do Wi-Fi, sim, mas principalmente das versões que parecem convenientes demais.

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